Humphrey Bogart, einer der größten Stars der Goldenen Ära Hollywoods und wahrscheinlich der Inbegriff des Film Noir-Hauptdarstellers (neben Edward G. Robinson natürlich), wuchs in einer chaotischen Zeit der amerikanischen Geschichte in einer Familie der oberen Mittelklasse auf, die hohe Erwartungen hatte. Er hatte verschiedene berufliche Laufbahnen, vor allem seinen Dienst als Militärseemann, wo er sich Berichten zufolge seine typische Gesichtsnarbe zugezogen hat (obwohl die genaue Geschichte umstritten ist).
Schließlich fand er Halt in der New Yorker Theaterszene, wo er für Furore sorgte und schließlich Film- und Radioauftritte bekam, obwohl er nicht als Hauptdarsteller angesehen wurde. Während seines Vertrages bei Warner Bros. wurde er in den 30er-Jahren größtenteils zu Gangstern und Psychosen degradiert. Doch etwas Seltsames passierte: Während Studiomanager ihn nicht mochten, Kritiker und Publikum ihn lobten, und ein aufstrebender Star, der unter Hybris litt, George Raft (Scarface), versehentlich Bogarts Laufbahn ebnete; Rollen in „High Sierra“ (1941) und „The Maltese Falcon“ (1941) lehnte Raft ab. Bogart übernahm beide Rollen, was ihn zu einem der aufregendsten Hauptdarsteller auf der Gehaltsliste von Warner machte.
Der berühmte Schriftsteller Raymond Chandler sagte über Humphrey Bogart: „Um eine Szene zu dominieren, musste er nur hineingehen.“ Und darin liegt die Anziehungskraft: Er war ein merkwürdig aussehender Mann, aber die Kamera liebte ihn und er wusste wirklich, wie man sie beherrscht, als er in den 1930er-Jahren die Szenen stiehlte, in den 40er-Jahren große Hauptrollen spielte und in den 50er-Jahren eine starke, aber kurze Rolle spielte, bevor er 1957 an Krebs starb.
Bogart war eine wahre Persönlichkeit, die jede Art von Rolle einnehmen konnte, obwohl er am besten an seine markante, kantige Alpha-Persönlichkeit erinnert wird, in erschütternden Filmen wie „Casablanca“, „Der Schatz der Sierra Madre“, „Key Largo“, „The Big Sleep“, „The African Queen“ und „To Have and Have Not“. Aber der Mann war in der Lage, von Komödie bis Liebesroman alles zu spielen. Die Meilensteine sind so groß, dass man den Rest vergisst. Lassen Sie uns einige der anderen verborgenen Schätze erkunden, die er während seiner kurzen, aber legendären Zeit an der Spitze hervorbrachte …
1. Sackgasse (1937)
Nachdem Bogart in „Der versteinerte Wald“ (1936) endlich einen beachtlichen Eindruck bei Kritikern und Publikum hinterlassen hatte, begann er, für Aufsehen zu sorgen. Dieses Projekt sollte als Startrampe für die Dead End Kids und die romantischen Hauptdarsteller Joel McCrea und Sylvia Sidney dienen. Unglücklicherweise für sie (aber nicht für uns) übernimmt Bogart im Grunde den gesamten Film in der Rolle eines Bösewichts.
Der Film spielt im Laufe eines Tages in New Yorks Flussufer-Slums, die von den Reichen gentrifiziert werden. Wir folgen den Handlungssträngen, die sich überschneiden: einer Gruppe Kinder aus der Sackgasse (gespielt von … nun ja, den Dead End Kids), einem gescheiterten Architekten (McCrea) und einer Romanze mit einem Mädchen aus der Nachbarschaft (Sidney). Am faszinierendsten ist jedoch die Geschichte über einen berüchtigten Hood (Bogart), der in die Nachbarschaft zurückkehrt.
Während Bogart die B-Handlung spielt, ähnlich wie in „Der versteinerte Wald“, gelingt es seiner Schurkengeschichte, das Geschehen zu kapern, da sein Gangster einen Bogen von arrogantem Stolz bis hin zu bitterer Enttäuschung durchläuft und erwartet, dass ihm bei seiner Rückkehr der rote Teppich ausgerollt wird. Stattdessen findet er eine Mutter, die hasst, was aus ihm geworden ist, und Versuche, eine Kindheitsliebe wiederzubeleben, führen nur dazu, dass sie ihn um Geld drängt. Er begibt sich auf einen selbstzerstörerischen Weg, der sich in einem atemberaubend gefilmten Finale auszahlt.
Zur Attraktivität des Films trägt sicherlich auch die Tatsache bei, dass er von William Wyler (Ben-Hur, Die verzweifelten Stunden) inszeniert und von Greg Toland (Citizen Kane) gedreht wurde. Visuell ist er absolut atemberaubend, besonders wenn die Sonne über den Mietshäusern untergeht und die beiden die Kulisse mit Licht malen. Die Verfolgungsjagd/Schießerei zwischen Bogart und McCrea am Ende ist einfallsreich und fesselnd aufgrund der Kreativität, die zwischen den Kollaborateuren zur Schau gestellt wird.
Während dieser Film damals für den Oscar für den besten Film nominiert war, gerät er im Nachhinein in Vergessenheit, wahrscheinlich weil Bogart nicht der Hauptdarsteller war. Dennoch ist dies aus seiner Zeit mit Ende 30, als er sich als rätselhafter Leinwandspieler einen Namen machte, wahrscheinlich einer der besten, neben bekannteren Titeln wie „The Roaring Twenties“ und dem bereits erwähnten „The Petrified Forest“.
2. Schwarze Legion (1937)
Im selben Jahr wie „Dead End“ erscheint diese beeindruckende Hauptrolle für Bogart, ein Film, der ein für die damalige Zeit äußerst heißes Thema behandelte und auf wahren Begebenheiten basierte. Es ist eine unverzichtbare Uhr für seine Zeit vor dem Starruhm.
Bogart spielt einen ehrlichen Fabrikarbeiter und Familienvater in einer amerikanischen Kleinstadt, der verbittert wird, weil er von einem polnischen Einwanderer bei der Beförderung übergangen wird. Er fällt in die Hände der Black Legion, einem Ableger des Ku-Klux-Klans, und beschreitet einen verhängnisvollen Weg, während sie ihn auf die schlimmste Art und Weise manipulieren.
Nachdem er jahrelang Wildcard-Nebenrollen gespielt hatte, war dies wirklich die erste richtige Hauptdarstellerrolle, die Bogart bekam, und es überrascht nicht, dass er fesselnd ist. Wir folgen diesem ernsthaften Mann, wie er zynisch und gewalttätig wird, sich von seiner Familie und seinen Freunden abwendet und dennoch in der Lage ist, jeden dunklen Schritt nach vorne zu verstehen und zu verstehen. Bogarts Leistung als Darsteller kommt voll zur Geltung, während sich die meisten seiner populären Kollegen auf Theatralik und Showkunst stützten, gelang es ihm, eine Darbietung zu liefern, die sich real und nachvollziehbar anfühlte, ohne vor der Hässlichkeit zurückzuschrecken, während er in der letzten Szene des Films eine tragische Coda einhämmerte. Es ist verblüffend, dass er nach diesem Film keine Angebote bekam, aber er war auch ein Schauspieler, der seiner Zeit voraus war, und diese Zeit musste aufgeholt werden.
Archie Mayo („Der versteinerte Wald“) führt Regie, und von allen Bogarts wiederholten Mitarbeitern war er optisch der am wenigsten interessante; Allerdings wusste er, dass er die Kamera einfach auf den Schauspieler richten und sich nicht von anderen Dingen in die Quere kommen lassen sollte, was im Wesentlichen zu einem Schaufenster für sein frühes Schauspiel führte.
Interessanterweise würde Michael Curtiz (Casablanca, We’re No Angels) einige Nebenarbeiten an dem Film übernehmen, was ihn zur inoffiziellen ersten von acht Kooperationen mit dem Schauspieler machte.
3. Die ganze Nacht hindurch (1942)
Bis 1941 hatte Bogart Erfolg bei Kritikern und an den Kinokassen; Warners versuchte jedoch immer noch herauszufinden, was sie mit ihm machen sollten. Dies führte dazu, dass er für diese absolut verblüffende, bizarre und unglaublich witzige Komödie/Thriller-Komödie besetzt wurde, in der der Schauspieler in einer völlig anderen Besetzung zu sehen war, als wir es gewohnt sind (interessante Bemerkung; dies war eine weitere Rolle, die George Raft abgelehnt hatte).
Bogart spielt einen sympathischen Gangsterboss und Bandenboss, dessen angenehmes Leben auf den Kopf gestellt wird, als sein Lieblingsbäcker tot ist, und er ist nicht bereit, die Gerechtigkeit in die Hände der Polizei zu legen. Im Laufe einer verrückten Nacht wird er in eine Spirale einer Verschwörung verwickelt, an der Spione, Femme Fatales, ausländische Aristokraten und sogar die Nazis selbst beteiligt sind.
Nachdem Bogart unter der Regie von Vincent Sherman eine unangenehme Erfahrung gemacht hatte, als er mit ihm „Die Rückkehr des Doktor Trotz des komödiantischen Drumherums dreht Sherman den Film wie einen A-Level-Krimi, mit scharfer Beleuchtung und kraftvoll ausgeführten Actionszenen. Der Humor kommt von der Seite, die Maschinengewehrdialoge, die alberne Handlung und die Ensemblebesetzung, die sich voll und ganz auf den Witz einlässt.
Überraschenderweise ist diese Besetzung von Bogart keine 180-Grad-Umstellung, er spielt im Grunde seinen typischen sympathischen Schurken, allerdings in einer ganz anderen Art von Film, und wenn er lustig sein soll, bringt er es auf jeden Fall um (mit einer Highlight-Szene, in der er bei einem Nazi-Treffen im Untergrund den deutschen Dialekt beschwingt). Auch das Ensemble ist unglaublich, unter anderem mit dem Maltese Falcon-Veteranen Peter Lorre und einem frühen Jackie Gleason.
Der Film verblüffte das Publikum bei der Veröffentlichung, verlor sich aber, was nicht überraschend ist, im Trubel, da er von Mystery-Thriller über Komödie bis hin zu Spionage-Action schwankte, doch er schafft es nicht, sich durchzusetzen, und kann sich in modernen Augen wirklich behaupten, wobei dies wahrscheinlich die stärkste Empfehlung auf dieser Liste ist.
4. Sahara (1943)
Zu diesem Zeitpunkt war der Zweite Weltkrieg in vollem Gange und Hollywood tat sein Bestes, um moralisierende Bilder mit großen Stars wie Gary Cooper und John Wayne zu machen. Bogart passte nicht wirklich in dieses Schema, aber da er eine Abwechslung wollte, nahm er diese Art von Job an und passte überraschenderweise wie Hand in Hand in die Aufgabe.
Bogart spielt in der nordafrikanischen Wüste und ist der Kommandeur eines Panzertrupps, der sich nach einer schweren Niederlage zurückzieht und unterwegs zerlumpte Überlebende einsammelt. Plötzlich wird es zu einer entschlossenen Mission, sich in Sicherheit zu bringen, während sie von einem unerbittlichen Bataillon Deutscher verfolgt werden, ganz zu schweigen von der sengenden Hitze, den schwindenden Vorräten und dem Wassermangel.
Wunderschön gedreht von Zoltan Korda („Die vier Federn“) ist dies ein auf das Wesentliche reduzierter, nüchterner und schweißtreibender Kriegsfilm, in dem ein starkes Ensemble gegeneinander antritt, während alle Elemente gegen sie wirken. Es ist spannend, fesselnd und manchmal geradezu emotional (Angelo D’Angelos letzte Momente fallen mir als äußerst herzzerreißend ein).
Der Kern des gesamten Stücks ist Bogart, der den harten, aber müden Kapitän spielt, einen Mann, der die Verantwortung für seine gesamte Truppe auf seinen Schultern trägt, und der Schauspieler schlüpft mit Leichtigkeit in diesen Rollentyp; Seine schroffe Persönlichkeit und seine sachliche Haltung besiegeln den Deal als Mann mit Autorität, der interne Konflikte verbirgt. Er drehte zwar noch ein paar weitere Filme an vorderster Front (Across the Pacific, Passage to Marseille), aber dieser war wahrscheinlich der beste und es lohnte sich, ihn auszugraben, mit starker Action, wunderschöner Schwarz-Weiß-Fotografie und einigem wirkungsvollen emotionalen Pathos.
5. Konflikt (1945)
In den frühen 40er Jahren war Bogart schließlich ein gefragter Hauptdarsteller. Bei Warners wurde er mit der Produktion dieses stilvollen Noir-Films beauftragt, der 1943 gedreht wurde, als „Casablanca“ in die Kinos kam. Bogart persönlich hasste die Erfahrung des Filmens, wahrscheinlich aufgrund eng damit verbundener persönlicher Probleme zu dieser Zeit, und das Studio hätte es fast begraben. Zum Glück ist das nicht passiert, denn es ergibt eine spannende und köstlich düstere Moralgeschichte.
Bogart spielt einen müden Ehemann in einer giftigen Ehe; Seine Frau (gespielt von Rose Hobart) lässt nicht zu, dass er sich von ihr scheiden lässt, also nimmt er die Sache selbst in die Hand und reißt sie von ihrem Tod ab, wobei er es als perfektes Verbrechen vertuscht. Doch mit der Zeit wird er immer mehr von der Möglichkeit heimgesucht, dass sie gelebt hat, ganz zu schweigen von der unermüdlichen Neugier des schlauen Ermittlers von Sydney Greenstreet.
Bogart erlebte während der Dreharbeiten eine unglaublich chaotische Scheidung, und ehrlich gesagt kam ihm dieser Film zu nahe. Doch genau das ist es, was den Film so faszinierend macht, denn er ist wahrscheinlich einer seiner persönlichsten: Der erbitterte Konflikt zwischen dem Ehepaar im ersten Akt ermöglicht uns einen Blick auf seine eigene Erfahrung. Sein ausgehöhlter Ehemann ist eine Hülle von einem Mann, verbittert und mürrisch, doch wie immer bietet Bogart einen faszinierenden Anblick, während seine Welt zusammenbricht und seine Katz-und-Maus-Szenen mit seinem Stammpartner Greenstreet feurig und angespannt sind.
Curtis Bernhardt („Possessed“) führt Regie, und im Gegensatz zu einigen seiner filmischen Landsleute, wie Fritz Lang und Robert Siodmak, die vor dem Zweiten Weltkrieg aus Deutschland nach Hollywood flohen, erreichte er in den USA nicht den gleichen Erfolg. Es ist eine große Schande, denn hinter der Kamera ist er absolut umwerfend. Der Film strahlt von Anfang an Spannung und Schrecken aus, mit atemberaubenden Kamerabewegungen und stilvollem Licht, das auf der Leinwand funkelt, was zu einem mitreißenden, unterschätzten Noir-Thriller führt, der mehr Würdigung braucht – auch wenn der Star diese Würdigung nicht selbst teilte.
Credit Post By: Thor Magnusson