Cannes: „Der schwarze Ball“ – Blog

von Elisa Giudici

Die Besetzung von THE BLACK BALL

Mittlerweile müssen die Los Javis in Cannes kaum noch vorgestellt werden. Javier Calvo und Javier Ambrossi, der gerade mit Pawel Pawlikowski gleichzog und bei der Abschlussfeier in Cannes den Preis für die beste Regie gewannhaben das letzte Jahrzehnt damit verbracht, nicht nur erfolgreiche Filmemacher und Showrunner zu werden, sondern auch kulturelle Architekten einer neuen Generation des spanischen Geschichtenerzählens: stolz queer, emotional maximalistisch, tief in der nationalen Geschichte verwurzelt und gleichzeitig mit Pop-Melodram und zeitgenössischer Fernsehsprache bestens vertraut. Wenn Gift machte sie unvermeidbar und Der Messias bestätigten ihren kreativen Ehrgeiz, Der schwarze Ball (Der schwarze Ball) erscheint als der Film, in dem sie versuchen, sich selbst heiligzusprechen.

Allein die Waage kündigt den Wandel an. Produziert unter dem Banner von El Deseo (das Unternehmen der Almodóvar-Brüder, dieses Jahr auch im Wettbewerb mit Pedros neuestem) Der schwarze Ball trägt die unverkennbare Aura der Sukzessionsmythologie um sich. Es handelt sich nicht vielmehr um eine Ablehnung der Almodóvar-Linie, sondern vielmehr um eine generationsübergreifende Mutation derselben …

Die Obsessionen bleiben vertraut: Verlangen und seine Unterdrückung, Erinnerung und katholische Scham. Aber die emotionale Grammatik ist jetzt eine andere, gefiltert durch Schöpfer, die gleichermaßen im Autorenkino und im Prestigefernsehen aufgewachsen sind. Und das Fernsehen bleibt im Guten wie im Schlechten tief in der DNA des Films verankert.

Doch bevor seine Exzesse beginnen, es ganz zu verschlingen, Der schwarze Ball ist oft wirklich spannend. Der Film bewegt sich über drei Zeitlinien – 1932, 1937 und 2017 – und verwebt literarische Erfindungen, historische Traumata und queere Sehnsüchte zu etwas, das unbedingt Spaniens großes queeres nationales Melodrama werden möchte. Im Mittelpunkt steht ein fiktives verlorenes Manuskript, das von Federico García Lorcas unvollendetem Abschlussprojekt inspiriert ist und Jahrzehnte später von Alberto (Carlos González) entdeckt wurde, einem Historiker, der sich von seinem Großvater entfremdet hat, der es zurücklässt.

In diesem Manuskript lebt Carlos (Milos Quifes), ein wohlhabender junger Mann, der von seiner Gemeinde aufgrund von Gerüchten über seine Sexualität geächtet wird. An anderer Stelle, während des Spanischen Bürgerkriegs, verleiht der Musiker Guitarricadelafuente dem Film seinen emotionalen Kern als Sebastián, ein junger Soldat, dessen Auftrag zur Bewachung eines feindlichen Gefangenen sein erschüttertes Verständnis traditioneller Männlichkeit langsam ins Wanken bringt. Um sie herum wirbeln Generationen verschwiegener Geschichten und verborgener Romanzen sowie emotionaler Geister, die wie Familienerbstücke weitergegeben werden.

DER SCHWARZE BALL

Die Los Javis sind am stärksten, wenn sie aufhören, diese Zusammenhänge zu intellektualisieren, und einfach die emotionale Kontinuität über die Zeit hinweg organisch entstehen lassen. Eines der schönsten Motive des Films ist ein römisches Mosaik, das ein lesbisches Paar zeigt, das unter einem Dorffeld freigelegt wird, nachdem ein Aratro unter der Erde gefangen ist. Es ist vielleicht eine stumpfe Metapher, aber eine wirksame: Queer-Geschichte nicht als Erfindung oder Revisionismus, sondern als etwas, das buchstäblich unter der Oberfläche Spaniens selbst vergraben ist. Diese Idee gibt Der schwarze Ball seine Dringlichkeit. Der Film argumentiert, dass das Ende der Diktatur nicht automatisch Befreiung mit sich brachte, sondern nur ein subtileres Erbe des Schweigens. Queere Leben existieren weiterhin versteckt in Wohnungen, Manuskripten, Familiengeschichten und verschlüsselten Gesten und warten auf eine Zukunft, die in der Lage ist, sie ohne Scham direkt zu betrachten. Die Los Javis verstehen, dass die Unterdrückung kulturell überlebt, lange nachdem sie institutionell verschwunden ist.

Besonders auffällig ist, wie unverhohlen monumental das Filmemachen bei der Verfolgung dieser Ideen wird. Es gibt hier Sequenzen, die mit erstaunlicher Sicherheit inszeniert sind. Eine frühe Szene, die eine Dorffeier für die ankommenden italienischen Truppen zeigt, die plötzlich in einem Massaker zusammenbrechen, ist wahrscheinlich die beste Errungenschaft des Films: chaotisch und doch klar, trotz des Ausmaßes emotional präzise und mit einer visuellen Autorität umgesetzt, die an Filmemacher denken lässt, die begierig darauf sind, zu beweisen, dass sie große Kinoleinwände beherrschen, ohne die Intimität zu verlieren.

Weit über eine Stunde lang Der schwarze Ball hält diesen Schwung aufrecht. Die Bilder haben Gewicht und die Darbietungen halten. Der emotionale Ehrgeiz fühlt sich eher verdient als aufgezwungen an. Dann beginnt der Film allmählich unter dem Druck seiner eigenen Akkumulation zusammenzubrechen. Die Los Javis kämpfen darum, abzuziehen. Die Erzählstränge vervielfachen sich, bis der Film unter ihrer kumulativen Last zu zittern beginnt, während die symbolischen Bilder immer eindringlicher werden und emotionale Höhepunkte mit so geringer Modulation eintreten, dass verheerende Momente miteinander um ihre Bedeutung konkurrieren. Ganze Nebenhandlungen scheinen weniger aus erzählerischer Notwendigkeit einbezogen zu werden, als vielmehr aus der offensichtlichen Abneigung der Regisseure, den thematischen Weg, den ihnen der Stoff eröffnet, aufzugeben. Sogar einige der unbestreitbar schönsten Passagen des Films (insbesondere die Gletschersequenzen, die spät in der Laufzeit eintreffen) entstehen zu einem Zeitpunkt, an dem sich die Erzählung bereits so überladen anfühlt, dass ihre visuelle Großartigkeit Gefahr läuft, weniger als Offenbarung denn als weitere Anhäufung wahrgenommen zu werden.

Das Gefühl entsteht, wenn man Filmemachern dabei zusieht, wie sie versuchen, ein Werk zu bewältigen, das größer ist, als ihre aktuelle künstlerische Disziplin vollständig fassen kann. Der schwarze Ball erweitert seinen Umfang immer weiter (und faltet historisches Trauma, queere Sehnsucht, ererbtes Schweigen, literarische Mythologie und nationale Identität in derselben weitläufigen Struktur zusammen), ohne immer ein stabiles Zentrum zu finden, das diese Elemente zusammenhalten kann. Im besten Fall gelingt dem Film eine wirklich bewegende Synthese zwischen Intimität und Monumentalität. Häufiger jedoch dehnt er sich in alle Richtungen gleichzeitig aus, als ob die Los Javis immer noch auf der Suche nach dem emotionalen Faden wären, der es wirklich verdient, den Film zu verankern.

Das Ende leidet am meisten unter dieser Unfähigkeit, Türen zu schließen. Anstatt seinen Höhepunkt zu erreichen, entwickelt sich der Film langsam zu einer Abfolge zunehmend nachdrücklicher emotionaler Codas, die jeweils auf der Suche nach dem definitiven Schlussbild sind, das alles, was ihr vorangeht, rechtfertigt. Keiner kommt ganz an. Es gibt auch kleinere Fehleinschätzungen. Penélope Cruz hinterlässt in einer begrenzten Rolle fast augenblicklich einen starken emotionalen Eindruck. Währenddessen fühlt sich Glenn Close im Film gestrandet, ihr stark akzentuiertes Spanisch sorgt während der Vorführung in Cannes für spürbare Ablenkung im Raum. Ihre Anwesenheit trägt den unverkennbaren Duft von Prestigegier und nicht von organischer Notwendigkeit in sich.

Und doch abweisend Der schwarze Ball als bloß überfüllt oder undiszipliniert würde das vermissen, was es fesselnd macht. Die Ablehnung der Mäßigung hat etwas zutiefst Lebendiges. Die Los Javis versuchen, sich eine Form des queeren Kinos vorzustellen, das sowohl populär als auch monumental und emotional direkt ist, ohne den historischen Rahmen aufzugeben. Sie jagen Almodóvar, ja, aber auch etwas ausgesprochen Zeitgenössisches: ein Kino, das von Zuschauern geprägt ist, deren emotionale Kompetenz sowohl durch serialisiertes Geschichtenerzählen als auch durch traditionelle Arthouse-Sparmaßnahmen geprägt ist.

Diese Spannung ist überall im Filmemachen sichtbar. Die Partitur unterstreicht ständig Emotionen, die bereits vollständig lesbar sind. Szenen erstrecken sich über ihren natürlichen Endpunkt hinaus. Schweigen wird fast schon misstrauisch behandelt. Der Film fürchtet sich vor der Leere, vor der Stille und davor, den emotionalen Raum unbefüllt zu lassen. Es handelt sich um einen zutiefst im Fernsehen geschulten Instinkt, den das Duo noch nicht ganz für das Kino neu kalibriert hat.

Aber vielleicht ist das auch der Grund Der schwarze Ball bleibt schwer abzutun. Cannes ist dieses Jahr voller kontrollierter Filme, eleganterer Filme über Queerness, Krieg und Identität unter Unterdrückung. Allerdings verspüren nur wenige einen solchen emotionalen Heißhunger. Dies ist das klassische zweite Hauptmerkmal von Künstlern, die immer noch das Ausmaß ihrer eigenen Ambitionen entdecken: zu viel, zu laut, zu lang, zu begierig darauf, von Bedeutung zu sein. Aber auch zu aufrichtig in seinem Wunsch, etwas Dauerhaftes zu werden, um es zum Scheitern zu bringen. Der schwarze Ball mag zwar nicht ganz zusammenhalten, aber sein Streben nach Größe ist unverkennbar.

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