Jedes Jahr treffen sich bei den Filmfestspielen von Cannes neun Filmschaffende – angesehene Regisseure, Autoren, Schauspieler und Künstler –, um den Hauptwettbewerb zu beurteilen. Wie das Format vermuten lässt, variieren die Ergebnisse. Es ist keine Überraschung, dass Gerüchte über Streitereien und Meinungsverschiedenheiten zwischen den Geschworenen durchsickern. Einige Cannes-Jurys sind harmonischer als andere. Einige Jahre sind berüchtigt für die an die Öffentlichkeit gelangten Scharfschützenangriffe.
Auch die Zeit verändert die Perspektive. Ein beliebter oder sogar geliebter Film kann verblassen, während der Grand-Prix-Gewinner zum Klassiker aufsteigt. Einige Palme d’Or-Gewinner sind einhellige Favoriten und sorgen bis zur offiziellen Verleihung für Gesprächsstoff in der Stadt. Bei anderen handelt es sich um überraschende Entscheidungen, die zeigen, wie sehr sich der Diskurs vom Geschmack der Jury unterscheidet. Andere, viele Filme auf dieser Liste, sind unerwartete Entscheidungen – durchaus respektabel und beliebt, aber etwas lau –, die eine uneinsichtige Jury widerspiegeln, die über widersprüchliche Sensibilitäten verhandelt.
Das bedeutet, dass nicht immer der beste Film gewinnt, und dieses Jahrhundert ist voll von Filmen, denen die höchste Palme verwehrt blieb, die aber an Bedeutung gewonnen haben, da der Film, der sie besiegte, zu einer Fußnote in der Kinogeschichte wird. Einige Brüskierungen waren damals offensichtlich, andere erst später. Aber hier sind 10 Filme, die dieses Jahrhundert die Goldene Palme hätten gewinnen sollen.
1. Mulholland Drive (2001)
Die Goldene Palme 2001 ging an „The Son’s Room“, Nanni Morettis Drama über eine Familie, die nach einem tragischen Unfall mit der Trauer zu kämpfen hat. Es ist nicht schwer zu verstehen, warum Moretti gewonnen hat. Er ist eine tragende Säule von Cannes und eine bekannte Persönlichkeit des europäischen Kinos, der genau die Art von süßem, zartem Drama bot, die zu dieser Zeit als Hochkino galt. Aber die Konkurrenz war stark und darunter befand sich ein Film, der oft als der beste Film des Jahrhunderts bezeichnet wird.
Dieser Film war Mulholland Drive. Im Nachhinein lässt sich kaum behaupten, dass „The Son’s Room“ ein besserer Gewinner ist als David Lynchs gescheiterter TV-Pilotfilm, der sich in eine Fiebertraum-Fantasmagorie über die Vergangenheit und Zukunft Hollywoods verwandelt hat. Morettis Film war in den 1990er Jahren leicht und weich mit festem Fuß. Lynchs Film war eine Reise durch Raum und Zeit, die weiterhin Debatten anregt und zu unzähligen Wiederholungen einlädt. Es ist abwechselnd faszinierend, erschreckend und eindringlich, und wenn das Vorhandensein von YouTube-Theorievideos ein Hinweis darauf ist, wird es ein Rätsel bleiben, zu dem das Publikum noch lange zurückkehren wird.
2. Irreversibel (2002)
Die Cannes-Jury ist nicht immun gegen Unentschieden, daher geht es bei einigen Einträgen auf dieser Liste weniger darum, die Goldene Palme eines Films an einen anderen zu vergeben, als vielmehr darum, die Liebe zu teilen oder zumindest eine ebenso gültige Wahl vorzuschlagen. Der Film „Der Pianist“ ist ein schwer zu argumentierender Film, selbst wenn man Roman Polanski als Hauptdarsteller berücksichtigt, aber die Auswahl von 2002 enthielt eine Reihe stilistisch gewagter Filme, die zumindest den Preis hätten teilen oder einen Grand Prix für „Der Pianist“ hätten rechtfertigen können. Drei der wohl aufregendsten und innovativsten Beiträge gingen mit leeren Händen nach Hause: das One-Shot-Wunder „Russian Ark“, das metamusikalische Meisterwerk „24 Hour Party People“ und Gaspar Noes berüchtigtes Irreversible.
Während der anarchische Wahnsinn von 24 Hour Party People eine inspirierte Wahl wäre, geht dieser Slot an Irreversible. Angesichts der Streiks und der Kritik, die der Film erhielt, wäre es damals undenkbar gewesen, ihm die Palme d’Or zu verleihen, und sein Nihilismus und seine grafische Gewalt stoßen die Zuschauer weiterhin ab und machen ihnen Angst. Aber es ist auch die Arbeit eines technisch einfallsreichen Filmemachers, der eine zusammenhängende, erschütternde Erzählung auf eine Weise erzählt, die über Spielereien hinausgeht. Die zentrale Einbildung des Films mag sein, dass die Zeit alles zerstört, aber seine grafische Gewalt diente auch als starkes Gegenmittel zu Hollywoods Verherrlichung der Gewalt. Es ist vielleicht kein erfreulicher Film, aber er ist ein beeindruckender Film von einem der aufregendsten und talentiertesten Filmemacher dieser Zeit.
3. Oldboy (2004)
„Oldboy“ von Park Chan-wook ist mittlerweile ein Klassiker. Die Flurszene wurde imitiert und reproduziert, aber selten oder nie übertroffen, und ihr zentrales Geheimnis verwirrt immer wieder neue Zuschauer. Er verlor die Goldene Palme an „Fahrenheit 9/11“, eine Wahl, die so weithin als politisch angesehen wurde, dass Jurychef Quentin Tarentino öffentlich darauf bestehen musste, dass es sich um eine einstimmige Entscheidung der Jury aufgrund des filmischen Werts des Films handelte. Fairerweise muss man sagen, dass die Auszeichnung von Fahrenheit 9/11, ob politisch oder nicht, eine mutige Entscheidung war, die die Illegalität und Brutalität der Invasion des Irak durch die US-Regierung nach dem 11. September hervorhob.
Aber es war nicht der beste Film des Wettbewerbs, und wenn Moores Film heute veröffentlicht würde, wäre es wahrscheinlicher, dass er auf YouTube Premiere feierte als an der Croisette. Während es im Jahr 2004 mit Wong Kar-wai, Lucretia Martel und Shrek 2 auch andere würdige Konkurrenten gab, lässt sich nicht leugnen, dass „Oldboy“ einen Platz im modernen Kinokanon einnimmt, der eine Brücke zwischen Arthouse und Kinokassen schlägt. Es ist ein treibender, düsterer, schockierender Film, der das Publikum fesselt und bis zu seinem verdrehten Finale nicht mehr loslässt. In diesem Jahr gab es viele großartige und wichtige Arbeiten, aber Oldboy war wahrscheinlich die beständigste von allen.
4. Pans Labyrinth (2006)
Nicht alle Cannes-Gewinner müssen unbedingt die größte, wildeste und denkwürdigste Wahl ihres Jahres sein. Schließlich besteht ein Teil der Stärke des Festivals darin, Filme hervorzuheben, die sonst möglicherweise unbemerkt geblieben wären – insbesondere vom europäischen und amerikanischen Publikum –, wenn es nicht diesen goldenen Auftrieb gegeben hätte. Aber „Pans Labyrinth“ war eine so herausragende filmische Leistung, ein wunderschönes Werk der Fantasie, das einige der dunkelsten Bilder und Themen der Nachkriegszeit in etwas Fantastisches und Schreckliches verwandelte, dass seine Brüskierung (er hat nichts gewonnen) eine ziemliche Ungerechtigkeit ist.
Der Hauptpreis ging in diesem Jahr an Ken Loachs „The Wind That Shakes the Barley“, ein würdiger Gewinner, der Ken Loach schließlich die lang erwartete Goldene Palme bescherte. Ohne diese Arbeit zu schmälern, wäre es nicht zu viel verlangt, den Preis zwischen zwei Filmen zu teilen, die ähnliche Themen abdecken, wenn auch auf sehr unterschiedliche Weise. Tatsächlich hätte die Vergabe des Preises an zwei Filme, die sich auf vergangene Kriege konzentrieren und für ihr zeitgenössisches Publikum von großer Relevanz sind, zwei hervorragende Filme ausgezeichnet und gleichzeitig die Art von Aussage gemacht, die andere Jurys unbedingt machen wollten.
5. Melancholie (2011)
Es wird vielfach spekuliert, dass sich Lars von Trier während der Pressekonferenz zu „Melancholia“ aus einer zweiten Goldenen Palme in den Status einer Persona non grata herausgeredet hat, indem er Terrence Marlicks „Tree of Life“ den Hauptpreis überreichte. Die Vorstellung, dass die Goldene Palme zwischen einem Film über die Geburt des Lebens und einem Film über dessen Ende lag, ist amüsant, aber selbst in einem Wettbewerb, zu dem „Once Upon a Time in Anatolia“, der zukünftige Oscar-Gewinner „The Artist“, „The Skin I Live In“, Sean Penn als Gothic-Idol auf der Jagd nach Nazis in „This Must Be the Place“ und „We Need to Talk About Kevin“ gehörten, ragt der rechtmäßige Gewinner über ihnen allen auf wie ein Planet, der aus der Umlaufbahn fällt.
„Melancholia“ ist eine große, kleine Geschichte, eine Geschichte über die Schwestern Justine (Kirsten Dunst) und Claire (Charlotte Gainsbourg), die mit dem Ende der Welt konfrontiert sind. Justines Hochzeit ist bereits eine Katastrophe, als bekannt wird, dass ein abtrünniger Planet auf Kollisionskurs mit der Erde ist. Die Reaktionen der Schwestern bilden den Grundstein für von Triers Geschichte: Die chronisch depressive Justine zeigt eine unheimliche Ruhe, während die normalerweise besonnene Claire nicht anders kann, als zu verhandeln und zu verzweifeln. „Melancholia“ wird regelmäßig als eine der treffendsten filmischen Darstellungen von Depression gefeiert, und dies würde ausreichen, um seine anhaltende Relevanz zu gewährleisten, wäre da nicht die pure Schönheit des Films. Wie ein höllisches Bosch-Tableau, das in Zeitlupe animiert wird, während sich eine Kamera langsam darüber bewegt, ist „Melancholia“ ein eindringlicher, hoffnungslos wunderbarer Film – brutal, schön, ehrlich – und einer der besten des Jahrhunderts.
Credit Post By: BJ Thoray