Cate Blanchett in Cannes – Blog

von Elisa Giudici

Cate Blanchett. Foto © Elisa Giudici

Cate Blanchett kam angeblich nach Cannes, um das ins Rampenlicht zu rücken Displacement Film Fund, die Initiative, die sie gemeinsam mit dem UNHCR gegründet hat, um vertriebene Filmemacher und Geschichten über Zwangsmigration zu unterstützen. Aber das Gespräch weitete sich schnell zu etwas Breiterem aus: einer scharfsinnigen, lustigen, zutiefst nachdenklichen Reflexion über Schauspiel, Autorenschaft, KI, künstlerisches Risiko und den sich verändernden Zustand des Kinos selbst …

Blanchett war schwarz gekleidet und trug eine übergroße lachsfarbene Sonnenbrille, die direkt aus den 1970er-Jahren stammt. Sie bewegte sich mühelos zwischen selbstironischem Humor und ernsthafter Branchenkritik. Sie sprach darüber Carol einst als gefährliches kommerzielles Unterfangen angesehen wurde, beschrieben Lager nicht als „Abbruchkulturfilm“, sondern als Film über die Brutalität künstlerischen Schaffens, lobte Todd Haynes und Martin Scorsese als Regisseure, die ganze Filmwelten rund um Schauspieler aufbauen, und argumentierte, dass das größte Problem bei KI letztlich ein Wort sei: Zustimmung.

Es folgen einige Highlights aus dem Gespräch.

Über den Vorsitz der Cannes-Jury im Jahr 2018

Eigentlich war ich sehr nervös, die Rolle anzunehmen. Ich erinnere mich, dass ich vorher Guillermo del Toro anrief und ihn fragte: „Wie hast du das gemacht?“ Und er gab mir diesen überraschend einfachen Rat. Er sagte: „Stellen Sie sicher, dass Sie jeden Tag als Erster ankommen und jedes Mal auf einem anderen Platz sitzen.“ Es klingt banal, aber in jedem Raum prägt oft die Person, die zuerst spricht, das gesamte Gespräch. Durch ständig wechselnde Sitze veränderte sich die Dynamik.

Mir wurde sehr schnell klar, dass die Beurteilung von Filmen nichts mit dem persönlichen Geschmack zu tun hat. Ihre Verantwortung besteht darin, zu verstehen, was der Filmemacher zu tun versucht, und nicht darin, ob es mit Ihren eigenen Empfindungen übereinstimmt. Manchmal fesselte mich ein Film beim ersten Ansehen nicht ganz und ein anderes Jurymitglied verteidigte ihn leidenschaftlich als Meisterwerk. Also würde ich am nächsten Morgen zurückgehen und es mir noch einmal ansehen. Das war eines der großen Geschenke dieser Erfahrung. Man lernt, dass man manchmal einfach noch nicht bereit ist, einen Film zu erhalten. Tiefes Zuhören wird unglaublich wichtig. Sie können nicht mit einer Agenda anreisen.

Die Jury selbst war außergewöhnlich. Wir kamen aus ganz unterschiedlichen künstlerischen Hintergründen und aus völlig unterschiedlichen Ländern, aber alle achteten nicht nur auf die Darbietung oder Regie, sondern auch auf Schnitt, Kameraführung und Produktionsdesign: jedes Element des Filmemachens. Dieses Gesprächsniveau war berauschend.

Und die Geheimhaltung des Prozesses hat etwas seltsam Schönes. Cannes nimmt die Beratungen sehr ernst. Sobald die Vorführungen beendet sind, hindern sie die Leute buchstäblich am Verlassen, sodass die Jury völlig isoliert bleiben kann. Es fühlte sich fast so an, als wäre man Teil einer Geheimgesellschaft.“

Auf das Warum Carol fühlte sich einmal „gefährlich“

„Niemand wollte Carol finanzieren. Was sich heute absurd anfühlt, weil es sich um eine so zutiefst romantische und universelle Liebesgeschichte handelt. Damals galt sie jedoch einfach deshalb als riskant, weil es um eine nicht-heterosexuelle Beziehung ging. Das Außergewöhnliche an Patricia Highsmiths „Der Preis des Salzes“ war, dass er diesen Charakteren ein Happy End bot. Das kam bei solchen Geschichten unglaublich selten vor.

Man musste nicht schwul sein, um eine Verbindung zum Film herzustellen. Es ging um Verlangen, Angst, Verletzlichkeit, Sehnsucht. Es war eine zutiefst menschliche Beziehung. Und ich denke, das Publikum war viel eher auf diese Erzählungen vorbereitet als die Branche. Mittlerweile sieht man Filme mit queeren Beziehungen im Mittelpunkt, die auf großen Festivals Premiere haben, ohne wie Ausnahmen oder „Special Interest“-Geschichten behandelt zu werden. Dieser Wandel ist enorm wichtig.“

An Lager und die Interpretation „Kultur abbrechen“.

„Ich habe Tár nie als einen Film über die Abbruchkultur gesehen. Für mich war es eine Meditation über Macht und die Brutalität des kreativen Prozesses. Lydia Tár ist jemand, der zutiefst brutal zu sich selbst ist, bevor sie zu anderen brutal wird, und ich denke, dass Gewalt unweigerlich nach außen getragen wird. Schöpfung geht oft mit Zerstörung ein. Diese beiden Energien existieren ständig nebeneinander. Es gibt keine wirkliche Trennung zwischen ihnen.“

Was mich faszinierte, war zu beobachten, wie jemand, der seine gesamte Identität auf Kontrolle aufgebaut hatte, diese Kontrolle plötzlich verlor. Jemand, der völlig in einem Zustand der Meisterschaft und Präzision gelebt hatte, erlebte plötzlich einen Zusammenbruch. Diese Unterbrechung des Flusses hat mich künstlerisch fasziniert.“

Von einer bizarren Fabel erzählte ihr kürzlich del Toro

„Guillermo del Toro hat mir kürzlich diese bizarre Geschichte erzählt, eine Art französische Fabel über das Arschloch, das sich selbst zum wichtigsten Organ des Körpers erklärt. Alle Organe beginnen darüber zu streiten, wer am wichtigsten ist: Das Herz sagt, es sei das Zentrum der Emotionen, das Gehirn beansprucht Intelligenz, die Lunge spricht über Atmung und Inspiration. Dann sagt das Arschloch: ‚Versuchen Sie es ohne mich.‘ Es schaltet sich also ab und der ganze Körper kollabiert.

Der Punkt ist, dass auch unangenehme oder schwierige Kräfte eine Funktion haben. In der Kunst Frustration, Konflikt, Enttäuschung. Oft sind es diese Dinge, die etwas Interessantes oder Schönes hervorbringen. Du kämpfst mit ihnen. Manchmal braucht man Widerstand.“

Darüber, was einen großartigen Regisseur von allen anderen unterscheidet

„Ich denke zunehmend, dass ein großartiger Regisseur jemand ist, der genau weiß, wo er die Kamera hinstellen muss. Manchmal ist man am Set und etwas fühlt sich falsch an. Nicht weil die Schauspielerei falsch ist, sondern weil die Perspektive falsch ist. Die Kamera ist nicht an der richtigen Stelle. Marty Scorsese redet ständig darüber – dass es bei der Regie im Grunde darum geht, zu wissen, wo man die Kamera hinstellt.

Andere Regisseure bauen ganze Fantasiewelten rund um die Schauspieler auf. Todd Haynes erstellt beispielsweise Playlists für jeden Schauspieler. Er teilt Filme, visuelle Referenzen, Musik, Atmosphären. Sie betreten die mentale Landschaft des Films, bevor Sie überhaupt mit den Dreharbeiten beginnen. Er ist unglaublich großzügig in der Art und Weise, wie er die emotionale Architektur des Films teilt.

Scorsese kommuniziert ähnlich, allerdings oft über das Kino selbst. Bei „The Aviator“ hat er für mich Screwball-Komödien wie „Bringing Up Baby“ und „His Girl Friday“ gezeigt, weil er wollte, dass ich diesen Rhythmus, diese Geschwindigkeit, diesen Angriff aufnehme. Er hat es nicht unbedingt intellektuell erklärt. Er wollte, dass du es fühlst. Und ich denke, auch die besten Regisseure kennen ihre Grenzen. Sie wissen, worin sie stark sind, und sie bilden um sich herum Teams, die das ausgleichen, worin sie nicht stark sind. Kino ist zutiefst kollaborativ.“

Über die Vorbereitung, Bob Dylan zu spielen

„Während ich „Elizabeth: Das goldene Zeitalter“ fertigstellte, schaute ich mir ständig die Bob Dylan-Dokumentation von Pennebaker an, weil ich wusste, dass ich nach Montreal fliegen und mit den Dreharbeiten zu „I’m Not There“ beginnen würde. Ich erinnere mich, dass ich in Panik geriet, weil ich dachte, ich hätte mich nicht ausreichend vorbereitet. Ich hatte das Gefühl, ich würde direkt von einer riesigen Rolle in eine andere wechseln, ohne dass dazwischen genügend Platz wäre.

Aber ich muss das alles durch Osmose absorbiert haben, denn mein Körper hat sich für die Rolle verändert, ich habe jeden Tag mit all diesen Bildern gelebt, und dann kommt man irgendwann am Set an und stellt fest, dass die Vorbereitung nur einen begrenzten Umfang bringt.

Ab einem bestimmten Punkt muss man das alles hinter sich lassen, denn niemand möchte seine Hausaufgaben auf dem Bildschirm sehen. Die eigentliche Arbeit beginnt, wenn man in die Atmosphäre eintaucht, die der Regisseur geschaffen hat, wenn man das Kostüm anzieht, wenn man beginnt, auf die anderen Schauspieler und auf die Umgebung um einen herum zu reagieren.“

Über Woody Allen, Blauer Jasminund der Rat von Penélope Cruz

„Bei Woody Allen hatte man oft ein oder zwei Takes und ging dann weiter. Penélope Cruz gab mir vor Blue Jasmine diesen wunderbaren Rat. Sie sagte mir: ‚Wenn du einen anderen Take willst, gib dem Akzent die Schuld.‘ Da Woody kein Spanisch sprach, fragte sie aufgrund ihres Akzents offenbar immer nach einer weiteren Aufnahme.

Also fing ich an, das Gleiche zu tun. Ich würde sagen: „Tut mir leid, kann ich das noch einmal machen?“ Ich habe den Akzent vermasselt.‘ So bekam man manchmal einen dritten Take. Aber diese Dringlichkeit hatte auch etwas Aufregendes. Wenn jeder weiß, dass keine Zeit ist, kommt es im gesamten Set zu einer Art kollektiver Konzentration, die fast theatralisch wirkt. Alle schließen zusammen. Und wenn es funktioniert, ist es elektrisierend.“

Über die Wahl von Rollen, die sie überraschen

„Die einzigen Rollen, die mich wirklich interessieren, sind die, bei denen ich denke: ‚Das hätte ich mir nie vorgestellt.‘ Die Rolle der Elizabeth I, als ich noch eine weitgehend unbekannte australische Schauspielerin war, hat für mich alles verändert, weil niemand von mir erwartet hat, dass ich das tun würde. Später fühlte sich die Rolle von Bob Dylan auf die bestmögliche Weise ähnlich destabilisierend an. Das sind die Projekte, die Sie in unerwartetes Terrain führen. Sie schieben dich an einen Ort, von dem du nicht wusstest, dass du dorthin gehen kannst.

Ich denke nicht wirklich darüber nach, in meiner Karriere ein bestimmtes Image oder eine gewisse Konstanz aufrechtzuerhalten. Ich interessiere mich viel mehr für Neugier. Wenn ich zu deutlich ahne, was aus etwas werden wird, bevor ich anfange, verliere ich oft das Interesse. Die einzigen Rollen, die mich wirklich interessieren, sind die, bei denen ich denke: „Das hätte ich mir nie vorstellen können.“ „

Über die Balance zwischen Schauspiel und Mutterschaft

„Ich habe vier Kinder und ein sehr erfülltes Leben außerhalb des Kinos, daher sind meine Entscheidungen manchmal auch praktischer Natur. Das ist zum Teil der Grund, warum ich in meiner Karriere gleichzeitig große Hauptrollen und kleine Nebenrollen gespielt habe. Manchmal möchte ich einfach für ein paar Wochen in ein Projekt einsteigen, etwas beisteuern und wieder verschwinden. Ich bin gerne Teil von Ensembles. Ich mag es, in Dinge hinein und wieder herauszukommen. Ich wollte nie wirklich, dass meine ganze Identität nur innerhalb der Branche existiert. Ich liebe meinen Garten. Ich liebe mein Familienleben. Es gibt viele Dinge draußen.“ Schauspielerei, die mir sehr wichtig ist, und ich denke, dass es gesund ist, dieses Gleichgewicht zu wahren.“

Zur weiblichen Solidarität in der Branche

„Als ich in die Branche einstieg, gab es das toxische Narrativ, dass Frauen unweigerlich Rivalinnen seien. Das war eine Lüge. Wir wurden ermutigt, einander im Wettbewerb zu sehen, weil Frauen von Anfang an so wenige Möglichkeiten geboten wurden. Was ich jetzt sehe, sind Schauspielerinnen, die Filme produzieren, Regie führen, Möglichkeiten für jüngere Frauen schaffen und aufstrebende Filmemacher unterstützen. Von Frauen geschriebene Drehbücher gab es schon immer. Das Problem war, dass sie nicht richtig gemacht oder richtig vertrieben wurden.“

Ich denke, meine Generation ist sich der Umgebung, aus der wir kommen, sehr bewusst und sehr entschlossen, sie nicht zu kopieren. Es gibt jetzt viel mehr Mentoring, viel mehr aktive Unterstützung und viel mehr Lust, anderen Menschen in den Raum zu helfen. Und ehrlich gesagt, eines der aufregendsten Dinge ist der Austausch zwischen den Generationen. Mein Sohn arbeitet in der Branche und stellt mir ständig Filmemacher, Musiker und Künstler vor, die ich nicht kenne. Dieses generationsübergreifende Gespräch ist unglaublich anregend.“

Über KI und die Zukunft des Kinos

„Die zentrale Frage bei KI ist die Einwilligung. KI ist unvermeidlich, aber das Publikum muss wissen, was real ist und was nicht. Die menschliche Einwilligung muss im Mittelpunkt des Gesprächs bleiben. Ich habe mit einer Gruppe namens RSL Media zusammengearbeitet, die versucht, einen maschinenlesbaren Einwilligungsstandard zu entwickeln. Die Idee ist ganz einfach: Rot bedeutet, dass keine Einwilligung erteilt wurde, gelb bedeutet, dass die Einwilligung über bestimmte Kanäle angefordert werden kann, grün bedeutet, dass die Erlaubnis erteilt wurde, das Bild, die Stimme, die Arbeit oder das Abbild einer Person zu verwenden.

„Derzeit verstehen KI-Systeme die Zustimmung des Menschen nicht von Natur aus, und das ist zutiefst gefährlich. Innovation kann absolut mit menschlicher Kreativität koexistieren, aber nicht, wenn die Transparenz verschwindet. Ich bin nicht jemand, der KI in meinem täglichen Leben häufig nutzt. Ich würde lieber ein Buch lesen oder spazieren gehen, aber es wird offensichtlich Teil unseres Lebens werden. Genau deshalb müssen diese Gespräche öffentlich und klar stattfinden.“

Darüber, ob sie als Zuschauerin überhaupt noch Filme schauen kann

„Absolut. Ich glaube, ich genieße Filme heute noch mehr als damals, als ich jünger war. Zu Beginn meiner Karriere habe ich mir Filme analytisch angesehen. Ich habe ständig versucht zu verstehen, was die einzelnen Abteilungen machten, was geschnitten wurde, wie Szenen zusammengesetzt wurden und wie die Aufführungen im Schnitt gestaltet wurden.

Jetzt gebe ich mich viel vollständiger den Filmen hin. Ich weine immer noch, lache und habe Angst. Ich bin ein tolles Publikum. Ich denke, es ist wichtig, die Fähigkeit zum Staunen zu bewahren. Wenn du das verlierst, solltest du das vielleicht nicht mehr tun.“

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