Der Komiker John Early hat darauf gewartet, dass sein Film vom Publikum gesehen wird. Earlys Regiedebüt, das letzten Herbst bei TIFF Premiere feierte, ist eine erhabene Komödie, die sich gleichzeitig zum Ziel gesetzt hat, ein ernstes Drama über eine Frau mit einer wiederkehrenden Essstörung zu werden. Maddies Geheimnisden Early auch schrieb und inszenierte, spielt sich wie ein Fernsehfilm aus den 1980er Jahren. Aber der kitschige, gestelzte Dialog ist ein Vorteil. Earlys Film – seine gelungenen komödiantischen und dramatischen Momente – wirken völlig gewollt. Es ist ein reichhaltiger Text kultureller Berührungspunkte und Inspirationen. Es ist völlig absurd und dennoch ein emotionaler Schlag ins Gesicht. Early hat eine Geschichte geschaffen, die auf zwei Spielfeldern existiert, die beide ihren Halt finden.
Early hat einige Freunde angeworben, um das Projekt auszufüllen, mit seiner komödiantischen Partnerin Kate Berlant, Connor O’Malley, Vanessa Bayer und Eric Rahill in den Nebendarstellern. Maddies Geheimnis folgt der gleichnamigen Maddie, die über Nacht zu einer Sensation in den Food-Medien, einer Content-Erstellerin für GourMaybe und einer möglichen Beraterin für eine erfolgreiche TV-Show namens „ Der Eber. Early legt bei seinem ersten Spielfilm nicht Wert auf Subtilität; Er engagiert sich voll und ganz für die Sache. Er und der Rest seiner Besetzung glauben an die Albernheit dieser Geschichte ebenso wie an die Ernsthaftigkeit. Und das ist es, was im Laufe von 101 Minuten erst liebenswert und dann überwältigend wird.
Vor dem Kinostart am Freitag unterhielten wir uns mit Early über seine Inspirationen für Maddies Geheimnisder sich voll und ganz auf jede Szene einlässt und seine eigene Besessenheit von Essensinhalten zeigt.
Die Filmbühne: Wie stehen Sie zum Film, nachdem seit seiner Erstausstrahlung bei TIFF fast ein ganzes Jahr vergangen ist?
John Early: Ich habe Monate lang darüber nachgedacht, dass ich so einen hochkarätigen Film mache – fast wie ein Märchen, das so weit von meinem eigenen Leben entfernt ist – und je länger ich es betrachte, desto mehr denke ich: „Jesus Christus, Johannes.“ Auf eine poetischere, mysteriösere Art fühlt es sich sehr aufschlussreich an, und das hat mich anfangs sehr erschreckt. Um die TIFF-Zeit herum hatte ich schreckliche Angst davor, und jetzt bin ich etwas liebevoller und nachsichtiger und fast beeindruckt davon. Ich bin nicht von mir selbst beeindruckt, aber ich bin beeindruckt von der Natur, etwas zu erschaffen, von der Art und Weise, wie man diese unbewussten Gefühle kanalisieren kann, ohne zu wissen, dass man es tut. Ich hatte das Gefühl, dass ich die Kontrolle über das hatte, was ich tat, und das war eigentlich überhaupt nicht der Fall.
Glaubst du, dass das nur unbewusst geschieht, oder glaubst du, dass, egal was du gemacht hast, ein bestimmter Prozentsatz von dir darin stecken musste?
Wenn man gezwungen ist, etwas zu machen – und in diesem Fall fühlte ich mich auf mysteriöse Weise dazu gezwungen –, wenn es ein echtes Verlangen gibt, dann glaube ich einfach, dass wir uns immer offenbaren, egal was passiert. Wenn Sie etwas sehen, das Ihnen nicht gefällt, schreiben Sie der Person, die es gemacht hat, eine SMS. Du gehst in ein Theaterstück, es gefällt dir nicht, aber du musst ihnen eine SMS schreiben. Da es sich um eine Textnachricht handelt, sollten Sie möglicherweise die nötige Kraft und den nötigen Abstand haben, um Ihr Gesicht abzudecken und zu sagen: „Das war umwerfend schön. Sie sind ein Genie“, weil Sie nur eine SMS schreiben, also könnten Sie einfach die Lüge tippen, und doch offenbaren Sie sich selbst in einer SMS …
Du machst eine Art hinterhältiges Kompliment.
Es ist so verrückt. Es ist schockierend, wenn ich sehe, wie ich das tue. Ich sage nur: „John, lüg einfach“, aber selbst wenn das ein seltsamer Auftrag gewesen wäre, den mir das Studio gegeben hätte, und ich nicht mit dem Herzen dabei gewesen wäre, hätte ich sicher unweigerlich etwas über mich preisgegeben.
Woher kommt Ihrer Meinung nach unsere kollektive Faszination für Essen und wie passt das in den Film? Und verrät es etwas über uns?
Dieser Film ist unter anderem aus meinem eigenen obsessiven Konsum von Essensinhalten auf meinem Handy entstanden. Eine Sache, die mich symbolisch an Bulimie interessierte, ist die frühe häufige Konnotation mit dem Römischen Reich – zum Beispiel, dass absichtliches Erbrechen weit verbreitet war. Zumindest mythisch denken die Menschen darüber, dass es bei Königen – wie der Elite, der herrschenden Klasse – um die Dekadenz vor dem Untergang einer Zivilisation geht. Essattacken bis zum Erbrechen. Ich weiß nicht. Manchmal frage ich mich, ob all der Essensgehalt und das Übermaß davon und der Genuss oder die Schwere, wie die Cremigkeit, eine Fülle davon haben. Es fühlt sich an, als wäre es eine Art kollektiver Kampf gegen alle vor dem Untergang und Zusammenbruch der Zivilisation.
Nahrung ist eine Ressource. Wir brauchen es zum Überleben, und es ist möglich, dass wir alle das Gefühl haben, dass der ökologische Zusammenbruch droht und wir nicht in der Lage sein werden, alle mit Nahrungsmitteln zu versorgen. Ich meine, das sind wir schon nicht mehr. Die Menschen hungern bereits, aber es scheint, als stünden wir am Abgrund von etwas. Daher denke ich, dass es Sinn macht, dass es diese Art manischen Konsums von Nahrungsinhalten gibt – bevor sie weg sind oder so. Ich weiß nicht. Ich meine, das ist verrückt und vielleicht zu hochgesinnt, und ich habe im Film sicherlich nicht auf die gleiche Weise darüber geschrieben, aber ich denke, das ist Teil dessen, was symbolisch in dem Film vor sich geht.
Es fühlt sich an, als gäbe es eine Völlerei.
Das ist das richtige Wort! Es ist gefräßig.
Und es fühlt sich an, als wäre Bon Appétit durch Chef’s Table und dann durch Millionen von Videos auf TikTok ersetzt worden, durch die ich scrolle.
Genau. Es war, als hätten sich die Tore noch nicht geöffnet, der Damm wäre noch nicht abgerissen. Die Sache mit dem Bon Appétit fasziniert mich natürlich sehr. Denn es gab nur dieses kurze Zeitfenster, in dem wir diese etwas elegante Form des Bon Appétit-Videos hatten, weil es eine Art Dokumentation ist. Es ist sanft; Es ist im Doc-Stil. Es gibt kein aggressives Bearbeitungsformat. Es ist nicht nervig, sondern ganz einfach, jemandem zuzuschauen, der gut ist in dem, was er tut.
Ich habe diese Videos wirklich geliebt, und dann wurde plötzlich – ich schätze, während des Lockdowns – alles auf das Telefon übertragen, und es war so etwas wie TikTok-Essen, Instagram-Essen. Die Videos verloren alles, wurden auf null komprimiert, wurden sehr kurzweilig und das Sounddesign wirkte absichtlich sehr pornographisch. Es wird viel gequetscht, geschlürft und geohrfeigt. Da hatte ich tatsächlich das Gefühl, dass ich wusste, was ich mit diesem Film machte, denn diese Videos ließen mich an Paul Verhoeven denken, ebenso wie das Sounddesign von Showgirls Und Raumschiff-Soldaten. Es ist völlig pornographisch, aber auf eine sehr bewusste und sehr lustige Art und Weise. Ich denke, es ist sehr fleischlich und ich dachte: „Warte, warte, warte, warte.“ So wurde aus einem kleinen Genre-Experiment ein Film.
Foto von Arin Sang-urai, mit freundlicher Genehmigung von Film at Lincoln Center.
Der Film hat diese absichtliche Albernheit, fast einen kitschigen Charakter. Und wenige Augenblicke später wird es äußerst ernst und emotional aufgeladen sein, und zwar auf eine Art und Weise, die sicherlich nicht zum Spaß gespielt wird. Wie versuchen Sie, ein Gleichgewicht zwischen diesen beiden Tönen zu finden? Oder haben Sie sogar versucht, sie unbedingt auszugleichen?
Ich wusste, dass Feingefühl, Zehenspitzen und Vorsicht den Tod dieses Films bedeuten würden. Offensichtlich habe ich ein Thema gewählt, das in der heutigen Kultur sehr leicht zur Vorsicht einladen würde, aber ich musste mich wirklich zwingen, diesem Gefühl nicht nachzugeben. Ich habe mich auf der Drehbuchebene einfach an die Regeln des Genres gehalten und dann musste jede Zeile mit absoluter, blutender Hingabe angegangen werden. Dann wusste ich, dass ich loslassen musste, was das Publikum in einem bestimmten Moment tun sollte, und die Chips klanglich fallen lassen musste, wo sie wollten.
Es war unsere Aufgabe, uns zu engagieren, und dann lag es am Publikum, zu entscheiden, wie es sich dabei anfühlte. Aber ich denke, was passiert, ist, dass, wenn man immer mehr Zeit mit der Verpflichtung verbringt, es so ist, als ob man am Anfang lacht, weil es natürlich Witze gibt – es gibt Albernheiten, es gibt bewusste Albernheiten und Gags und so – aber auch ein Grund, warum die Leute lachen, ist einfach die Kühnheit der Prämisse und unseres Engagements für den Stil. Dann gewöhnt man sich an die Verpflichtung, akzeptiert sie, und das mit Absicht. Ich wollte, dass dies keine Skizze ist. Ich wollte nicht, dass es eine 12-Minuten-Skizze wird. Ich wollte, dass es ein abendfüllender Film wird, damit man ab einem bestimmten Punkt geimpft wird.
Und dann gibst du der Emotion nach. Im weiteren Verlauf des Films … und das ist nur meine Erfahrung beim Schreiben: Am Anfang des Drehbuchs lag der Schwerpunkt mehr darauf, einige der tragischeren Elemente mit Humor in Einklang zu bringen, und im weiteren Verlauf wurde ich beim Schreiben immer emotionaler. Es war total verrückt. Diese Erfahrung habe ich künstlerisch noch nie gemacht. Ich habe mich selbst nie als einen solchen Künstler gesehen, aber ich war beim Schreiben des Drehbuchs ein verdammtes Wrack. Ich habe geweint und ich… ich glaube, das liegt an meinem Alter.
Es ist nicht so, dass ich mir vorgenommen hätte, etwas zu machen, das eher dem Stil entspricht, den ich gemacht hätte, als ich 23 oder 24 war. Ich wollte etwas Subversives, Wildes, Unverschämtes und Freches oder so etwas machen. Aber wenn man älter wird, weiß ich nicht, vielleicht liegt es daran, dass man die Charaktere, die man schreibt, etwas mehr beschützt. Ich hatte einfach das Gefühl, Maddie beschützt zu haben, und sie lag mir am Herzen, und das hat mich einfach bewegt. Es war eine so intensive emotionale Reaktion. Ich dachte nur: „Dem muss ich vertrauen, und hier passiert etwas. Ich werde ihm vertrauen.“ Bevor ich mich versah, drehten wir diese äußerst emotionalen Szenen, und ich trage eine Perücke und dachte: „Was zum Teufel habe ich getan?“
Was ist mit den Farben des Films, die den Eindruck erwecken, als würden sie Maddies Gefühle einrahmen? Sie telefoniert unter dunkelblauer Kleidung mit ihrer Mutter; Sie bereitet Essen vor leuchtendem Rot zu. Es gibt eine Helligkeit in dieser Welt.
Wenn es einen großen Einfluss gibt, dann ist es dieser Marnieder Hitchcock-Film. Eines der Dinge, die ich an diesem Film einfach absolut liebe, ist, dass er psychologisch furchteinflößend ist und voller körperlicher, emotionaler und sexueller Gewalt steckt, aber an der Oberfläche sind es diese leuchtenden, femininen Pastellfarben. Es sind diese kleinen Kanariengelb- und Pepto-Bismol-Rosatöne. Es ist ein Film aus den frühen 60ern, aber er hat einen sehr 50er-Jahre-Look und ist einfach sehr feminin und zart mit diesen kleinen Pastillen oder Pastelltönen wie die Süßigkeiten. Es ist wie bei diesen kleinen Pfefferminzbonbons, die man herauslöffelt und die überall mit Keimen behaftet sind. Es sind diese Farben.
Selbst in der Behandlungseinheit wollte ich mich nicht völlig der Trostlosigkeit und Düsterkeit hingeben. Ich wollte das Publikum nicht bestrafen. Ich wollte, dass die märchenhafte Farbpalette dennoch eine Art Atempause bietet. Ich wollte, dass es immer so ist… selbst in den dunkelsten, emotionalsten Momenten, ich wollte, dass du dich immer sicher fühlst, als würdest du durch einen Traum, ein Märchen oder eine süße kleine Geschichte gezogen. Dann kommen die Farben auch einfach aus Los Angeles. Denn für mich wird Los Angeles immer als ein heruntergekommener, künstlicher Ort dargestellt, an dem es wie Brustentfernung und Smog zugeht. Aber es ist tatsächlich voll von völlig psychedelischen tropischen Pflanzen und einer geschäftigen Tierwelt und leuchtenden Blumen. Es ist wie ein Märchen.
Maddies Geheimnis erscheint in limitierter Auflage ab Freitag, 19. Juni.
Credit Post By: Michael Frank