FIVE EASY PIECES 4K-Rezension: Jack Nicholson zerstört sich selbst

Bob Rafelsons Fünf einfache Stücke ist ein Film, der nur umgekehrt zu sich selbst zu gelangen scheint und mit einem Schlussbild endet, das uns wie vom Donner gerührt zurücklässt und alles Vorangegangene im neuen Licht dessen abwickelt, was wir gelernt haben.

Keine Spoiler hier. Aber es genügt zu sagen, dass ich selten einen Film gesehen habe, der so darauf vertraut, dass sein Publikum die Details seiner Geschichte in ein sinnvolles Ganzes umwandelt, ohne Händchenhalten, Fußnoten oder YouTube-Erklärungen.

Nicht, dass es 1970 YouTube-Erklärer oder auch nur die falsche Notwendigkeit davon gegeben hätte. Heiß auf dem Rücken ihres branchenverändernden Erfolgs mit Easy RiderBBS Productions brachte den amerikanischen New Wave der 70er Jahre ins Leben Fünf einfache Stückeeine traurige Charakterstudie über einen Mann, der ein beklagtes Genie sein könnte, ein unheilbar selbstzerstörerisches Arschloch sein könnte, aber wahrscheinlicher ist beides.

Jack Nicholson sichert sich in seiner Hauptrolle als Bobby Dupea seinen Ruf als einer der Besten, die es je gab. Wir finden ihn in Bakersfield, wo er mit einem sonnigen, verkommenen besten Freund Öl bohrt, mit einer Tammy-Wynette-singenden, rosa uniformierten Diner-Kellnerin (Karen Black als Rayette, Oscar-nominiert für die Rolle) zusammenkommt und im Allgemeinen zulässt, dass die Verantwortung von ihm abprallt wie so viele ausgelaugte Modelos vom Rand der Mülltonne.

Bobby steht in einer zutiefst co-abhängigen Beziehung zu Rayette, die beide aufgrund seines missbräuchlichen Verhaltens zerfallen und ihn jedes Mal zurücknehmen. Er betrügt sie, wenn er sich nicht gerade mit der Polizei streitet oder sich über seine beste Freundin ärgert, weil sie andeutet, dass Rayettes Überraschungsschwangerschaft ihn zu einem nützlicheren Menschen machen könnte.

Und dann sehen wir in einem einzigen Schnitt, wie Bobby in einem sauberen Anzug nach Los Angeles fährt, um ein Aufnahmestudio zu besuchen, und nach über einer halben Stunde wird uns klar, dass wir ihn überhaupt nicht kennen.

Uns wurde ein Hinweis gegeben. Im Stau sprang Bobby aus seinem Auto auf die Ladefläche eines Lastwagens, der Schrott und Müll transportierte, und fing an, auf die Tasten eines nicht mehr existierenden Klaviers zu hämmern, wobei er die ausgestreckten Saiten fast in Stimmung brachte. Der Lastwagen verlässt die Autobahn, verlässt den Stau – ein inspirierter Moment der visuellen Vorahnung von Regisseur Rafelson – und lässt Bobbys Auto und seinen Freund zurück.

In Los Angeles beginnen wir, die andere Seite der Geschichte zu verstehen. Bobbys Schwester (Tia, in einer strahlenden Darbietung von Lois Smith, ganz hängende Schultern und überfüllte Augen), ebenfalls Klavierspielerin, erzählt ihm, dass ihr Vater im Sterben liegt. Bobby reist mit Rayette im Schlepptau nach Norden nach Washington (obwohl er sie lieber im Motel sitzen lässt, als die Schande zu ertragen, ein Arbeitermädchen nach Hause zu seinem Vater zu bringen) und zieht zu seiner ursprünglichen Familie.

Die gesamte visuelle Sprache des Films scheint sich zu verändern und seine Klasse an der Seite von Bobby zu wechseln, der sich dem harten Leben hingegeben hat, aber, wie wir erfahren, kaum besser darin ist, so zu tun, als gehöre er zu einer wohlhabenden Enklave von Künstlern und Musikern. Rafelson erzeugt eine fast unerträgliche häusliche Spannung, um für Bobby eine umgekehrte Arbeitspsychologie zu erzeugen, einen Cartoon-Ausschnitt in der Wand seines Familienhauses.

In einer Sequenz spielt er Chopin für die Freundin seines Bruders. Die Kamera weicht von Bobby ab und findet an der gegenüberliegenden Wand eine scheinbar endlose Reihe von Fotos: Familie, Kindheit, Vorfahren aus vergangenen Zeiten ziehen an uns vorbei, während Bobby ein Solo beendet, von dem er dann sofort beschreibt, dass es keinerlei Gefühle in ihm hervorruft. Seit seinem achten Lebensjahr beherrscht er diese Art von performativer Emotionalität, und ich vermute, dass er die Wahrheit sagt – und eine Art stille Verzweiflung in sich zum Ausdruck bringt – wenn er sagt, dass es ihm auf grausame Weise immer schwerfällt, die emotionale Erfahrung zu lokalisieren, die andere Menschen in diesen Teilen eines Lebens zu finden scheinen.

Criterions 4K-Upgrade von Fünf einfache Stücke aktualisiert Buchrücken Nr. 546, der zuvor auch in der Fünf-CD-Box „America Lost and Found“ von BBS Productions erschien. Die mit Dolby Vision im hohen Dynamikbereich kodierte Restaurierung fängt die langlebigen Fotografien des Kameramanns Lázló Kovács auf wunderbare Weise ein, mit tiefschwarzen Tönen wie bei einem nächtlichen Pokerspiel oder nebligen Pastelltönen auf dem Dupea-Gelände im bewaldeten Washington. Die Körnung ist fein und präzise, ​​niemals überwältigend.

Das 2-Disc-Set packt die Besonderheiten auf die Blu-ray-Kopie des Films (die 4K-Disc enthält nur den Film und den Kommentartrack). Die Ergänzungen sind nicht viel. In einem knapp neunminütigen Featurette aus dem Jahr 2009 reflektieren Rafelson (und Nicholson, vor allem aber Rafelson) über die Arbeit. Zwei weitere Stücke decken das Erbe von BBS Productions umfassender und ausführlicher ab. Es gibt auch archiviertes Audiomaterial aus der Mitte der 70er Jahre im American Film Institute, in dem Rafelson seinen kreativen Prozess bespricht.

Der Film ist jetzt bei The Criterion Collection in einer 4K+Blu-ray-Zwei-Disc-Edition sowie in separaten Blu-ray- und DVD-Editionen erhältlich.